Hasta el 26 de febrero | Sala de exposiciones temporarias, primer piso.

La exposición se compone de dos grandes núcleos que aluden a cada artista.
La instalación Yantra cae en el abismo, de Mónica van Asperen, está integrada por una escultura en acero que dibuja en el espacio un diseño entrecortado de rectas con inserciones de planos de color. La obra se completa con un dibujo sobre el muro de un yantra —un complejo diseño geométrico que alude a las energías del cosmos y del cuerpo humano utilizada en los rituales tántricos— compuesto de triángulos yuxtapuestos y puntos negros cromáticamente irradiantes. Por su parte, Martin Bolaños —en sus “islas”— explora diferentes modos de representación del paisaje, el conflicto naturaleza-cultura y las relaciones entre arte y ciencia, utilizando materiales como arena, enduido y acrílico.

Sala Galería, pabellón IV, segundo piso.

La exposición presenta una serie de obras, acciones e intervenciones realizadas durante la última
década, y lo hace mediante afiches, panfletos y pancartas que el colectivo entregaba —siempre de
manera lúdica— a quienes manifestaban, acompañaban o se hacían presentes. Etcétera, recorriendo
parte de su archivo, invita a un ejercicio de memoria colectiva, a un juego visual de contextos. Cada
afiche nos introduce en un momento específico mediante efímeras o masivas intervenciones, y
revitaliza proclamas estéticas y manifiestos.

Espacio Mercedes Sosa, tercer piso.

Esta exposición se presenta como un acercamiento, para contar desde diferentes vértices la diversidad y el compromiso de una artista popular. Cantora, compañera, madre, política, rebelde y luchadora. Una mujer y un repertorio. Un pueblo, una historia, una tierra y su voz. Imágenes, archivo, objetos y música de Mercedes Sosa. Con curaduría de Álvaro Rufiner.
La vida de Mercedes Sosa fue vastísima en sus creencias y tensiones, en la sucesión infinita de paisajes que habitó y pudo contar. Una cantora popular, una voz política, una artista internacional, siempre protagonista de su tiempo, dialogando con la historia apasionadamente, iluminando las llagas del mundo. Amorosa y aguerrida, sin concesiones.
Tucumana, argentina, latinoamericana y universal. Desde temprano se supo dueña de un don, y esa conciencia fue siempre más responsabilidad que goce. La madrugada la encontraba concentrada, buscando hasta hallar las palabras justas de los poetas, las músicas más bellas, materiales para moldear su obra: un repertorio único, rotundo y sincero, una sucesión de aguafuertes que describen o anticipan los movimientos de la historia, de su patria y muchas veces del mundo. ¿No son acaso siempre los mismos los olvidados en la Tierra? Mercedes es una cantante magnífica, dotada de una voz excelsa, pero es también mucho más.
¿Dónde se funda su trascendencia universal? ¿Es esa voz profunda y aterciopelada, la exquisitez de sus grabaciones o la conciencia clara de su rol social como artista lo que la convierte en un ícono ineludible? Aclamada en escenarios líricos y en pueblitos olvidados por la cartografía, la contundencia de su arte sigue generando una admiración sin fisuras en públicos tan antagónicos
como irreconciliables.
Nacida en el interior del interior, abrazó las banderas del Nuevo Cancionero y así desanduvo distancias, prejuicios y fronteras. En la fuerza de su canto encontraron su voz los miedos y las esperanzas de los oprimidos de nuestro continente y del mundo.

Espacio Jorge Luis Borges, pabellón I, segundo piso.

¿Podría pensarse la historia cultural sin las tramas amistosas en las que se inventaron revistas, colecciones de libros, exposiciones, conciertos? Obras que surgen al interior de una conversación común. Amistades que se forjan alrededor de una obra compartida. Pensar a Borges en sus redes, comprender cómo emerge una obra como la suya, para pensar al mismo tiempo lo singular y hasta
excepcional, y lo disperso o colectivo, pero sin cuya consistencia no habría obra. La amistad fue una constante en su travesía vital, desde la declarada complicidad con sus antecesores hasta la afinidad con jóvenes lectoras y lectores. Nos detenemos aquí en el período que va entre la década de 1920 y 1945, cuando se publica “El Aleph” en Sur, pensando en ese laboratorio que fueron las revistas, suplementos culturales, antologías y colecciones, en los que Borges desplegó e inventó su literatura.

El Salón Nacional como panorama federal y diverso del arte contemporáneo argentino.
Segundo y tercer piso.

El Salón Nacional de Artes Visuales es un certamen que se realiza de manera ininterrumpida desde 1911 y, año tras año, ofrece una escena diversa de concepciones del arte y modos de entender su práctica.
En esta edición actúan treinta y tres personas en el jurado en las distintas instancias, incluyendo especialistas por regiones para garantizar las más amplias miradas de la convocatoria, en un proceso en el que toda la comunidad del arte se vio involucrada para, al decir de Andrei Fernández —curadora del Salón—, “[poder] hospedar un amplio espectro de investigaciones y poéticas para reconocer contornos y preguntas que esbozan un posible relato de lo que es el arte aquí, un aquí que se abre, que se expande”.
En esta nueva edición se incorpora una nueva categoría que se suma a las ocho ya existentes: espacio no disciplinario. Además, dos categorías cambian de nombre: cerámica pasa a llamarse artes del fuego, y grabado ahora se denomina gráfica. Retomando, otra vez, palabras de Andrei Fernández, “las disciplinas transicionan, se renombran, habitan y distorsionan sus fronteras, y encarnan así múltiples desobediencias”.
El nuevo reglamento del certamen Salón Nacional de Artes Visuales contempla otorgar más premios, de acuerdo a un criterio de ponderación. De esta manera, la cantidad de segundos y terceros premios a otorgar por categoría será proporcional al número de personas inscriptas, tomando como referencia el promedio de los últimos tres años. Con todas estas acciones se traza un camino donde el horizonte es incluir miradas, donde las políticas públicas acompañan los cambios que se gestan y que se dan en el amplio abanico de mundos que nos constituyen como sociedad. En palabras de la directora del Palais, Federica Baeza, “buscamos producir una transformación en las expectativas; queremos que cualquier persona, sin importar su lugar de pertenencia, su condición socioeconómica, su identificación de género o con una comunidad étnica específica, pueda pensarse a sí misma como artista”.

¿Cómo plantear un museo que desde acá representa comunidades de allá? ¿Cómo poner en diálogo dos mitades del mundo? ¿Cómo potenciar la experiencia de expresiones culturales de esos países y abrir el juego a múltiples miradas?
Para empezar, ¿en qué pensamos cuándo decimos Oriente?
En el imaginario occidental, el concepto de Oriente parecería definirse por oposición: es todo aquello que no es Occidente e incluye diversas geografías, naciones, culturas, prácticas y grupos sociales. Los intentos por conocer a ese otro no fueron ni son inocentes; tienen una dimensión política en la que la centralidad de Europa construyó un relato que fue interiorizado por el resto del
mundo occidental.
¿Cuáles son las ideas respecto de Oriente creadas por nuestro imaginario cultural? Se suele asociar a Oriente con lo detallista, la espiritualidad, la sensualidad y una gran conexión con la naturaleza. ¿Es realmente así o se trata de concepciones imaginadas?
La exhibición presenta la constitución misma del museo como un modo, entre otros posibles, de encontrarse con Oriente. Ofrecemos Oriente todo con la intención de reconocer estas ideas y ponerlas a prueba. Proponemos observar la colección a través de los distintos tiempos que en ella se congregan y las experiencias individuales de cada visitante.
Revisamos nuestros preconceptos para reconstruir nuevas ideas a partir de objetos, sumando la mirada de artistas contemporáneos y comunidades locales. El MNAO busca tanto difundir las culturas orientales como contribuir a la convivencia en la diversidad de nuestras sociedades.
Lucía de Francesco y Anush Katchadjian, curadoras de la exposición

"Dicen que el papel tiene memoria. Guarda el recuerdo de los pliegues y otras huellas del tiempo. Es a la vez delicado y resistente. Soporte de muchas historias, de muchos mundos.
Aili Chen y Johanna Wilhelm parecen calcar destellos de un Oriente; reinventan la idea de un Oriente todo guardado en el acervo del Museo Nacional de Arte Oriental. Las piezas hechas en papel, material paradigmático de los imaginarios sobre las artes orientales, son un contrapunto de la colección. Despliegan luces y sombras, casi blancos y casi negros, contenedores y contenidos de
un universo oriental.
Aili Chen, modelando fantasmas de los objetos con papeles crujientes, evoca el doble viaje de las colecciones: de Oriente a la Argentina y, luego, de una sede a otra del Museo. Lo que está materialmente y lo que queda resplandeciendo en esas cáscaras envoltorios de memoria espectral cohabitan en espejo.
Johanna Wilhelm reencanta los trocitos de una totalidad incompleta que se adivina en el Museo.
Cala los diseños de las superficies coloridas para prender sus sombras en una constelación de objetos evocados. Hace deambular la mirada entre ecos minuciosos de un paisaje lejano.
Como la dupla suspendida de Corazón de noche, Aili y Johanna se dejan atrapar por el cosmos de la colección para encenderla. Nos invitan a adentrarnos en un sinfín de lugares y sentidos que llamamos Oriente y nos acercan la fascinación de sus destellos".
Viviana Usubiaga